La respuesta a la invasión británica. Las bandas inglesas dominaban los nuevos sonidos del rock and roll en los años 1960. Sin embargo, el poder de Inglaterra siempre ha sido desafiado por quienes viven en el lado oriental del Atlántico.
Estados Unidos tenía su propia cuota de bandas que tomaron lo que se había hecho en la década de 1950 y lo remodelaron para mantener a los adolescentes bailando y a las chicas gritando.
Aunque no todas las nuevas bandas americanas se centraron en el aspecto del baile. De hecho, muchos de ellos tomaron otra dirección.
La respuesta estadounidense a la invasión británica comenzó a mediados de los años sesenta. La respuesta no estuvo sólo ligada a la invasión británica, sino también a la economía, la injusticia social, la política y, sobre todo, la guerra de Vietnam.
Bob Dylan no fue la única voz que respondió a aquellos tiempos. No todas las respuestas se basaron en la política. Una gran parte de la reacción se inclinó hacia los conceptos de fuga.
Fue un camino que condujo al uso de drogas alucinógenas y al amplio y colorido paisaje de la música psicodélica. El uso de alucinógenos y otras drogas como la marihuana y el hachís, es difícil de separar de la música y la época de mediados y finales de los años sesenta.
El papel que jugaron en las composiciones musicales de bandas como The Byrds, Grateful Dead, Jefferson Airplane, The Doors, sólo lo pueden responder los propios compositores.
Muchos de ellos han admitido que algunas de sus canciones fueron escritas bajo los efectos de las drogas.
Lo que está claro es que una gran parte de su público consumía drogas mientras escuchaba la música de esas bandas desde la pista de conciertos, sus tejados, sus esquinas, la seguridad de sus dormitorios o los horrores de las selvas de Vietnam.
La música psicodélica y la música de protesta coexistieron como una sola. Ambos tenían claras intenciones de protestar y escapar de lo convuncionado de los años 60s.
La respuesta a la invasión británica
Los Beach Boys
Para aquellos de nosotros que crecimos en las décadas de 1960 y 1970 escuchando discos de Beach Boys, nuestros recuerdos del grupo siempre girarán en torno a la música de la banda producida por los miembros originales Brian Wilson, Dennis Wilson, Carl Wilson, Al Jardine y Mike Love.
Los Beach Boys surgieron del área de California en 1961. Sus primeros discos se centraron en temas simples como autos, playas y, por supuesto, chicas.
La música de surf simple y las melodías orquestadas por buenas armonías vocales y letras inteligentes los convirtieron instantáneamente en una de las bandas más queridas de Estados Unidos.
De 1962 a 1965, The Beach Boys lanzaron diez álbumes llenos de divertidos éxitos veraniegos que se convertirían en sencillos legendarios que definieron una visión un tanto estrecha de Hollywood de principios de los años sesenta. Aún así, su éxito fue innegable.
En 1966, The Beach Boys lanzaron el álbum Pet Sounds. Muchos fanáticos y críticos inicialmente se sorprendieron por la transformación que habían realizado los Beach Boys.
Fue un álbum brillante que eventualmente se convertiría en uno de los discos más inspiradores jamás realizados. Definió el genio de Brian Wilson a un nivel completamente nuevo.
Los Beach Boys intentarían seguir ese álbum con un disco titulado Smile que tuvieron dificultades para publicar por varias razones. El grupo continuaría lanzando álbumes que no se venderían tan bien como sus esfuerzos anteriores.
Con el tiempo, The Beach Boys se convertiría en un grupo antiguo. Hubo muchas peleas dentro de la banda y, como muchos grupos famosos, la banda peleaba por la posesión del nombre de Beach Boy.
Brian Wilson pasaría por muchos problemas personales que afectaron el legado de la música de los Beach Boys en su período posterior a los años 1960 y 70.
No obstante, el legado de los Beach Boys y su lugar en la historia del rock clásico siempre estará definido por sus grabaciones de los años 60.
El sonido Motown
El surgimiento de la música soul en la década de 1960 siempre estará explícitamente ligado al desarrollo del rock and roll.
Ambas formas de música surgieron de la progresión natural del blues al swing y al Rhythm and Blues.
Cuando los Beatles y la invasión británica se incendiaron en la década de 1960, la música soul encendió su propia llama en todo el mundo.
Artistas como Aretha Franklin, Ray Charles, James Brown, The Four Tops, The Temptations, Diana Ross y The Supremes habían llevado lo que Sam Cook había comenzado en la década de 1950 a una audiencia masiva.
Motown Records de Berry Gordy les proporcionaría la promoción y poder comenzando con el primer gran sencillo del sello Motown, “Shop Around”, de Smokey Robinson.
Motown Records se convirtió en un sello monstruoso en la industria, lanzando muchos grandes éxitos que desafiaron a las bandas de la Invasion britanica en cuanto a ubicación en las listas y difusión en la radio.
El mayor rival de Motown era Stax Records. Actos de superestrellas como Otis Redding, William Bell, Booker T. & the M.G.’s, The Markays, Rufus Thomas, Johnny Taylor, Sam & Dave, Albert King y muchos más.
Todos grabados para los sellos discográficos Stax / Volt que eventualmente se fusionaron con Atlantic Registros.
Un artista en particular se destaca entre todos los artistas de R&B y soul que celebraron el éxito en la década de 1960.
Fue un artista que después de celebrar sencillos de múltiples éxitos en la década de 1960, giró hacia la década de 1970 con un éxito aún mayor fusionando soul y rock y convirtiéndose en uno de los artistas con mayores ventas de todos los tiempos. Su nombre era Stevie Wonder.
Acababa de cumplir 13 años en 1963 cuando celebró su primer éxito titulado “Fingertips”.
Lo que fue aún más increíblemente especial acerca de la canción y su edad fue que el sencillo “Fingertips” alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100.
No fue un mal comienzo, y un claro presagio de que había comenzado una de las historias de mayor éxito musical de la cultura pop.
Durante el resto de la década de 1960, Stevie Wonder lanzaría más de treinta sencillos y once álbumes de estudio. Aún así, aún tenía que producir la serie de álbumes que cimentarían su legado en la historia del rock clásico.
El álbum Music Of My Mind en 1972. Fue el disco que prepararía el escenario para una de las carreras más increíbles en la historia de la música.
El siguiente álbum de Music Of My Mind se tituló Talking Book. El álbum contenía los exitosos sencillos “You Are The Sunshine of My Life” y “Superstition”.
Esta última es la canción en la que Stevie Wonder comenzó a desarrollar un nuevo sonido que incorporaba elementos de rock fusionados con el espíritu conmovedor de Stevie Wonder.
Era una canción que había escrito mientras tocaba con Jeff Beck, quien eventualmente lanzaría su propia versión.
Poco más de diez años después, Stevie Ray Vaughan canalizó esa energía del rock en su propia versión apasionante. Era una prueba más de cómo Stevie Wonder había creado un sonido que no se había hecho antes.
Los siguientes tres álbumes de Stevie Wonder continuarían ampliando su nuevo sonido, culminando con sus obras maestras Songs in the Key of Life en 1976.
Precediendo a ese trabajo legendario en 1976 estaba el álbum Inversions en 1973 y Fulfillingness’ First Finale en 1974. Los tres álbumes ganaron Grammy al Álbum del Año.
Ese período de tres años presentó a los fanáticos de la música algunas de las canciones más reconocidas de todos los tiempos.
Canciones como “Boogie on Reggae Woman, Living In The City, Higher Ground, You Haven’t Done Nothing, Sir Duke and I Wish”.
A lo largo de su impresionante carrera musical, Stevie Wonder ha estado cerca de ganar más premios musicales que cualquier otro artista musical, incluidos veinticinco premios Grammy.
Aretha Franklin
Conocida como la Reina del Soul, el estilo vocal de Aretha Franklin jugó un papel importante al inspirar a tantos cantantes de rock clásico.
Con una voz perfecta y llena de una resonancia profunda impulsada por sus años cantando gospel cuando era niña, el legado de Aretha Franklin la etiqueta como una de las mejores vocalistas de todos los tiempos.
Fue un legado que comenzó con su firma con Atlantic Records en 1966 después de pasar cinco años con Columbia Records.
Durante su tiempo con Atlantic Records de 1967 a 1979, celebró tener catorce sencillos entre los 10 primeros en el Billboard Hot 100 de EE. UU.
Su canción con mayor ranking fue la canción clásica “Respect”, que alcanzó el número uno en 1967.
James Brown
Conocido como el Padrino del Soul, las electrizantes habilidades de James Brown como intérprete establecen el estándar para todas las actuaciones de rock clásico.
James Brown fusionó el espíritu de actuaciones conmovedoras de gospel con la energía del rock and roll de artistas como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Little Richard.
Uno no se queda mucho tiempo sentado en un concierto de James Brown. James Brown ha dejado tras de sí un vasto catálogo de música.
Durante su carrera, James Brown lanzó sesenta y tres álbumes de estudio. ciento cuarenta y cuatro sencillos y quince álbumes en vivo.
El sencillo de James Brown con las listas más altas fue su canción clásica “I Got You (I Feel Good)”.
La canción alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100 en 1965. Veinte años después, en 1985, James Brown obtuvo su segundo sencillo con las listas más altas con “Living In”. America”.
La canción alcanzó el número cuatro en el Billboard Hot 100 en los EE. UU. A lo largo de su carrera, James Brown también celebró muchos sencillos número uno en las listas de R&B de Billboard. James Brown falleció el 25 de Diciembre de 2006.
Uno de los impactos más significativos que tuvo James Brown en la historia del rock clásico fue cuánto inspiró el género del funk.
Al igual que el rock progresivo, el funk era un género con muchas subcategorías.
Una de las categorías más populares del funk fue el género P-Funk. Esto incluía grupos legendarios como Parliament y Funkadelic.
Ambas bandas estaban dirigidas por George Clinton. Sus historias son complejas más allá del alcance de esta encuesta.
Sin embargo, ambos fueron increíblemente inspiradores en el género del funk en las décadas de 1960 y 1970.
La respuesta a la invasión británica
Los Monkees
La respuesta estadounidense a la invasión británica también resultó en una aparente parodia de los Beatles que se transmitió como programa de televisión.
Davy Jones, Peter Tork, Micky Dolenz y Michael Nesmith fueron contratados para tocar en la banda ficticia The Monkees.
Sin embargo, no siguieron siendo una banda ficticia por mucho tiempo. Nadie esperaba que el programa fuera tan exitoso como lo fue.
De hecho, el espectáculo tuvo tanto éxito que convirtió a las estrellas del espectáculo en una de las bandas más vendidas de la década de 1960.
Los Monkees acabarían vendiendo más de setenta y cinco millones de discos.
Los Monkees celebraron cuatro álbumes número uno consecutivos en los Estados Unidos en 1966 y 1967.
Durante ese tiempo también disfrutaron de tres sencillos número uno, incluidos “Last Train To Clarksville, I’m A Believer y Daytime Believer”.
No hay muchas bandas que hayan logrado ese tipo de éxito comercial. Incluso cuando el espectáculo fue cancelado, la banda continuó como grupo hasta 1971.
Con el paso de los años, la banda se reformó para hacer apariciones y conciertos en vivo.
Eso ya prácticamente terminó. Davy Jones falleció en 2012. Peter Tork murió en 2019. Mike Nesmith falleció en 2021.
Jimi Hendrix
Si hubo un individuo que alteró el curso de la música rock para siempre, fue Jimi Hendrix. En un período muy breve que tardó menos de dos años en completarse, Jimi Hendrix lanzó tres álbumes innovadores.
Esos registros titulados ¿Tiene usted experiencia? Axis: Bold as Love y Electric Ladyland se convertirían en los únicos tres álbumes de estudio que Jimi Hendrix lanzó durante su corta carrera musical.
Sin embargo, en ese breve período, Jimi Hendrix puso patas arriba el mundo de la música rock con sus innovadoras técnicas de guitarra.
Las alucinantes representaciones teatrales y canciones de Hendrix yuxtapusieron elementos de sexualidad y espiritualidad en una mezcla de brillantes composiciones grabadas que se han vuelto legendarias.
No se podía separar el instrumento (la guitarra) del hombre. Sólo ha habido un puñado de músicos en la historia registrada cuya alma y espíritu se entrelazaron a un nivel tan extremo con sus instrumentos hasta la muerte y más allá.
Charlie Parker, Bill Evans, John Coltrane y Jimi Hendrix se destacan en términos de pura brillantez musical como músicos.
Definir la dedicación al propio instrumento sería definir la vida de Jimi Hendrix. Es innegable el papel inspirador que desempeñó para guitarristas como Eric Clapton, Jimmy Page, Stevie Ray Vaughan, Prince y millones de guitarristas más.
Janis Joplin
La gran “bruja cósmica” Janis Joplin desarrolló un amor por la música a una edad temprana, pero su carrera no despegó hasta que se unió a la banda Big Brother and the Holding Company en 1966.
Su álbum de 1968, Cheap Thrills, fue un gran éxito. Sin embargo, la fricción entre Joplin y la banda la llevó a separarse de Gran Hermano poco después.
Cheap Thrills de 1968, alcanzó el puesto número uno, el álbum vendió un millón de copias en un mes y Joplin se convirtió en una sensación.
Ganándose entusiastas elogios de Time y Vogue, apareciendo en The Dick. Cavett Show y capturar la imaginación del público que nunca había experimentado tanta intensidad en una cantante de rock.
Su salida de Gran Hermano y su surgimiento como estrella solista fueron inevitables; armó su propio grupo, Kozmic Blues Band, y en 1969 lanzó I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!, que obtuvo oro.
Ese año también la vio actuar en el festival de Woodstock.
El cantante murió de una sobredosis accidental el 4 de Octubre de 1970, a los 27 años.
Muerte trágica y legado. Después de una larga lucha contra el abuso de sustancias, Joplin murió de una sobredosis accidental de heroína el 4 de octubre de 1970 en un hotel del Landmark Hotel de Hollywood.
Completada por el productor de Joplin, Pearl se estrenó en 1971 y rápidamente se convirtió en un éxito.
El sencillo “Me and Bobby McGee”, escrito por Kris Kristofferson, un antiguo amor de Joplin, alcanzó la cima de las listas.
La respuesta a la invasión británica
Bob Dylan
No se puede escribir la historia del rock clásico sin mencionar el nombre de Bob Dylan.
No se puede escribir la historia de los años sesenta sin mencionar la importancia de Bob Dylan.
La historia de la música está llena de compositores de música folclórica que abrazaron la política y las cuestiones sociales de la época en que vivieron.
Artistas como Stephen Foster escribieron sobre el paisaje americano del siglo XIX en cuentos que se convertirían en estándares de la música folclórica.
Sin embargo, fue el trabajo de Woody Guthrie a principios y mediados del siglo XX lo que inspiró el arte de Bob Dylan.
Woody Guthrie vivió una época de sufrimiento. Fue un sufrimiento provocado por los Dust Bowls de la década de 1930.
La grave sequía y la mala gestión de la tierra por parte de agencias gubernamentales y agricultores costaron a millones de agricultores la quiebra y la pérdida de sus tierras durante los años de depresión de la década de 1930.
La pérdida de sus hogares y granjas impulsó la migración de Okie, cuando dos millones y medio de personas emigraron por todo el país hacia California con la esperanza de una vida mejor.
Woody Guthrie fue parte de esa migración. Describió el mundo que presenció en canciones de protesta; el más famoso fue el incomprendido himno “This Land Is Your Land“.
Canalizó el espíritu de protesta y observación de Woody Guthrie en su propia voz original durante la tumultuosa década de 1960.
Bob Dylan se convirtió en la voz de una nación escribiendo canciones de protesta sobre la guerra de Vietnam y cuestiones de derechos civiles.
Las estructuras de las canciones musicales de Dylan tomaron elementos de cambios de blues y agregaron ritmos adicionales a compases que rompían con la construcción de canciones musicales establecida desde hacía mucho tiempo.
Dylan no recibió suficiente crédito por lo que hizo con los cambios del blues porque sus letras dominaban a su música.
Al final, su legado siempre estará definido por sus palabras. En términos de pura observación y comentario poético de la injusticia social y política, nunca se escuchará una voz más fuerte en la historia del rock clásico que la de Bob Dylan.
La respuesta a la invasión británica
Jefferson Airplane
Jefferson Airplane fue el primero de los grupos de rock psicodélico de San Francisco de la década de 1960 en lograr reconocimiento nacional.
Aunque Grateful Dead finalmente demostró ser más longevo y popular, Jefferson Airplane definió el sonido de San Francisco en los años 60.
Con la guitarra de rock ácido de Jorma Kaukonen y las voces gemelas de Grace Slick y Marty Balin, componiendo exitosos sencillos y Aterrizando en la portada de revistas nacionales.
Encarnaron el espíritu hippie consumidor de drogas, así como el movimiento político de izquierda contra la guerra de su tiempo, y su historia fue una de controversias junto con éxitos.
Sus interacciones personales reflejaron aquellos tiempos; el grupo era un colectivo con alianzas cambiantes en las que surgían y retrocedían líderes.
Pero a pesar de toda la agitación, Jefferson Airplane fue notablemente productivo entre 1965 y 1972.
Hicieron giras con regularidad, siendo la única banda que tocó en los principales festivales de rock de los años 60 (Monterey, Woodstock e incluso Altamont) y lanzaron siete álbumes de estudio.
Cinco de los cuales obtuvieron oro, además de dos LP en vivo y una colección de éxitos vendidos por un millón que narra sus ocho sencillos en las listas.
Después de Long John Silver de 1972, Airplane se separó, con Slick y el guitarrista Paul Kantner formando Jefferson Starship, y el guitarrista Jorma Kaukonen y el bajista Jack Casady tocando juntos en Hot Tuna.
La formación original de Starship terminó reuniéndose para un álbum y una gira en 1989.
The Grateful Dead
Los muertos agradecidos. Alguien comento alguna vez: “Realmente no entiendes The Grateful Dead hasta que lo ves en vivo”.
Ese siempre pareció ser un punto muy conmovedor, porque The Grateful Dead tiene una de las bases de fans más grandes en la historia del rock sin tener muchos éxitos comerciales.
Por supuesto, han lanzado una legión de álbumes y canciones clásicos, pero su trabajo, con la excepción de un par de canciones, nunca estuvo entre los 40 mejores.
El impacto de The Grateful Dead en el rock and roll se basó no sólo en su música sino en toda la experiencia de “Dead Head”.
En primer lugar, el legado de The Grateful Dead siempre estará definido por su música, pero no se puede ignorar la cultura que rodeó a la banda.
Esa cultura fue impulsada por una banda que utilizó todos los estilos de música en su propio estilo. La banda celebró el blues, el country, el rock, la psicodelia, el jazz y cualquier otra forma de música que existiera en la tierra.
Esos diversos estilos fueron transformados por un grupo de músicos que a menudo celebraban largas sesiones improvisadas en el escenario que parecían trascender la realidad tanto para la banda como para sus fans.
Se formó por primera vez en 1965 en la costa oeste de los Estados Unidos en el área de San Francisco.
Los miembros originales incluían a Jerry García, Bob Weir, Phil Lesh, Bill Kreutzmann y Ron McKernan. Dos años más tarde, Mickey Hart y el letrista Robert Hunter se unieron a la banda.
De 1967 a 1989, The Grateful Dead lanzó trece álbumes de estudio. La banda también lanzó muchos álbumes en vivo que intentaron definir la experiencia en vivo de The Grateful Dead.
En 1995, falleció el miembro fundador Jerry García. The Grateful Dead llegaría a su fin ese año.
Sin embargo, ha habido varias ramificaciones de la banda que incluyeron a muchos de los miembros originales del grupo e invitados musicales.
Han intentado mantener viva la música de The Grateful Dead respetando la importancia de sus logros pasados.
Entre ellos se incluye liderar el camino para una nueva generación de bandas improvisadas que han celebrado el éxito en los años 90 y más allá.
Los Doors
Dentro del espíritu de protesta de la década de 1960 surgió una banda llamada The Doors.
La banda estaba dirigida por su cantante y poeta Jim Morrison. The Doors fue otra de esas bandas que se destacan dentro de su propia categoría.
Si bien las cuestiones sociales y políticas desempeñaron un papel en su música, Jim Morrison parecía querer rebelarse por el simple hecho de rebelarse.
En uno de los libros más anunciados sobre la historia del rock and roll titulado Rockin in Time: A Social History of Rock and Roll escrito por David P Scatz. El teclista de Doors, Ray Manzarek, caracterizó la difícil situación de Morrison ante la rebelión como una búsqueda de libertad interna.
Manzarek describió a Morrison como creador de caos y desorden como una forma de provocar una revuelta externa. Esa idea te lleva a disfrutar del confort de la libertad interior.
Fueron una banda popular durante su corto período de tiempo. Impulsada originalmente por su gran éxito “Light My Fire” y las travesuras y arrestos en el escenario de Jim Morrison, la banda lanzó una serie de álbumes de gran sustancia.
El fallecimiento de Jim Morrison en 1971 a la edad de 27 años detuvo a la banda en seco.
Los rumores de que Morrison todavía estaba vivo y escondido en París corrieron desenfrenados durante años.
Curiosamente, los miembros restantes de la banda vieron cómo la banda se hacía aún más grande diez años después, cuando su canción “The End” se incluyó en la película Apocalypse Now, dirigida por Francis Ford Coppola.
La manía de las puertas se extendió por los Estados Unidos durante un breve período a principios de los años 1980.
Creedence Clearwater Revival.
Durante la década de 1980, se estrenaron muchas películas sobre la guerra de Vietnam.
También hubo una avalancha de películas que describían la época de los años sesenta. En casi todas esas películas, en algún momento, el público escucharía la música de Creedence Clearwater Revival.
El sonido de la banda era muy representativo de la década de 1960. La voz icónica de John Fogerty y sus ideas líricas en protesta por la guerra de Vietnam y otros aspectos de la sociedad quedarán para siempre arraigadas en la historia de la década de 1960.
La banda Creedence Clearwater Revival se formó en la costa oeste de Estados Unidos. A menudo clasificada como rock sureño o rock de pantano, la voz de John Fogerty tenía un tono único.
La voz de Fogerty penetró en el corazón del oyente de una manera inolvidable.
Lanzó una serie de siete álbumes en un período de sólo cuatro años. La banda lanzó tres álbumes sólo en 1969.
Durante el transcurso de su contrato con Fantasy Records, hubo muchas peleas internas dentro de la banda. En 1972, Creedence Clearwater Revival se disolvió.
Los combates continuaron durante años. A mediados de la década de 1980, John Fogerty fue demandado por Fantasy Records por una de sus nuevas canciones titulada “The Old Man Down The Road”.
Fantasy Records argumentó que la canción sonaba demasiado parecida a una de sus antiguas canciones de Creedence Clearwater titulada “Run Through”. La jungla.
Ser demandado por sonar demasiado parecido a él, tuvo que ser uno de los episodios más irónicos y ridículos de la historia del rock clásico. Al final John Fogerty ganó el pleito.
El conjunto de trabajos que Creedence Clearwater Revival dejó a sus fans sigue siendo uno de los catálogos de álbumes más preciados de la historia del rock clásico.
Canciones como “Proud May, Bad Moon Rising, Travelling Band, Fortunate Son (la mejor canción de protesta de Vietnam) Run Through The Jungle, Who’ll Stop The Rain, Suzie Q, Looking out My Back Door” serán acogidas para siempre por el Historia del Rock Clásico.
La respuesta a la invasión británica
Monterey Pop Festival
En el año de 1967, la idea de un festival de rock surgió con una ambición simple pero audaz: conseguir el mismo respeto que el jazz.
Lou Adler, el productor discográfico de Los Ángeles y hipster eterno, recuerda una reunión en la primavera de 1967.
Entre él, Paul McCartney y los Mamas and the Papas, el grupo que llevó “California Dreamin’” al estrellato en el sello de Adler, Dunhill. lo que se convirtió en el Festival Internacional de Pop de Monterey.
Monterey Pop, celebrada del 16 al 18 de Junio de 1967 en el recinto ferial de Monterey, California, cerca de la costa de San Francisco, fue fundamental en la evolución del rock como fuerza en el negocio del entretenimiento y la cultura en general.
Sirvió como modelo para la explosión de festivales de rock que culminaron en Woodstock, y con sus multitudes de hippies con caras pintadas y su eslogan de “música, amor y flores”.
Monterey definió la apariencia, el espíritu y el sonido del Verano del Amor.
Woodstock
Mencionando a Woodstock. Un festival de música de tres días que tuvo lugar durante el verano de 1969 y que atrajo a cientos de miles de personas más de lo esperado.
Del 15 al 18 de Agosto de 1969, en un pequeño pueblo llamado Bethel en el norte del estado de Nueva York, el mundo fue testigo de la culminación de la contracultura de los años 60 que celebraba el amor por la música, la paz, el amor y las drogas.
La celebración se llevó a cabo impulsada por una hermandad de adolescentes y jóvenes adultos que habían pasado por una década de agitación.
Los asesinatos del presidente John Kennedy y Martin Luther King Jr. junto con el Movimiento por los Derechos Civiles y los horrores de Vietnam dieron como resultado un festival lleno de cuatrocientas mil voces que buscaban escapar y protestar por ambos al mismo tiempo.
Se ha hablado mucho de las actuaciones, pero Woodstock se centraba realmente en el público.
Por supuesto, hubo actuaciones espectaculares de Jimi Hendrix, The Who, Richie Havens, Crosby Stills Nash and Young y muchos otros.
Fue un momento decisivo en la carrera de muchos artistas. Sin embargo, la magnitud del concierto la definió el propio festival.
Marcó el final de una era, no el comienzo. La cultura cambió dramáticamente en la década de 1970.
A menudo se hacía referencia a la ideología de Woodstock, pero nunca podría repetirse. Se planearon muchos más festivales en la década de 1970 y más allá, incluidos espectáculos del aniversario de Woodstock, pero ninguno logró capturar ese momento especial en el tiempo.
A principios de la década de 1970, Estados Unidos todavía estaba inmerso en los horrores de la guerra de Vietnam.
El reinado de Los Beatles se detendría repentinamente cuando el primer álbum en solitario de Paul McCartney y el romance de John Lennon con Yoko Ono parecieron significar el fin del grupo.
Jimi Hendrix murió en septiembre de 1970. Janis Joplin, que había sido la primera estrella de rock femenina real, murió en Octubre de 1970, un mes después de la muerte de Hendrix.
Los Rolling Stones y The Who continuarían hasta la década de 1970 lanzando algunos de los mejores materiales de sus carreras.
La respuesta a la invasión británica