El Blues. La música blues fue creada por afroamericanos en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y se desarrolló a lo largo del siglo XX.
Describe un estilo de música, una forma de presentar ideas musicales, diferentes culturas musicales que comenzaron en Estados Unidos y se desarrollaron internacionalmente y una emoción.
La música blues tiende a tratar sobre el amor y la tristeza, está construida a partir de una progresión de acordes simple I-IV-V de 12 compases, contiene letras muy realistas y evoluciona con el tiempo. Este blog analiza de cerca el significado, la estructura y la historia de la música blues.
¿Qué es el blues? El blues es varias cosas: un sentimiento, una forma de música y un género.
El blues se considera una música de raíces americanas, uno de los géneros nacidos y desarrollados en Estados Unidos junto con el bluegrass, el country, el gospel, el zydeco, el country tradicional y la música nativa americana.
Esos géneros formaron las “raíces” del árbol de la música estadounidense que eventualmente daría frutos, incluidos el rock, el R&B, el soul y el jazz.
A continuación se presentan varios aspectos, cualidades e interpretaciones que ayudan a explicar y analizar el concepto amplio de música blues.
¿Qué es la forma del blues?
La forma musical (la forma en que se organiza una pieza musical) del blues tiende a ser relativamente simple. Probablemente la forma más común es el blues de 12 compases, que sólo utiliza tres acordes (I, IV y V) y se repite después de cada doce compases o compases.
Aunque existen algunas ligeras variaciones en la progresión de acordes (desarrollo y cambio de acordes en una pieza musical), la progresión de acordes de blues de 12 compases generalmente se presenta de la siguiente manera; cada acorde representa un compás/compás:
La forma lírica del blues también es sencilla; suele ser la forma AAB. Para cada verso, se canta una línea de letra cada cuatro compases. La línea “A” se canta durante los primeros cuatro compases y se repite durante los segundos cuatro compases.
La línea “B” casi siempre rima con la línea A y se canta durante los últimos cuatro compases. A continuación se muestra un ejemplo de un verso de blues en formato AAB tomado de la canción de B.B. King de 1969, “The Thrill is Gone”. Haga clic aquí para escuchar la canción.
La emoción se fue, la emoción se fue (Línea A, compases 1-4) La emoción se fue bebé, la emoción se fue (Línea A, medidas 5-8) Sabes que me hiciste mal bebé, y algún día te arrepentirás (línea B, medidas 9-12).
Es importante señalar que aunque la progresión de acordes de 12 compases y la forma lírica AAB tienden a ser las más utilizadas, existen otras formas de blues.
El Blues
¿Cuáles son las características musicales del blues?
Debido a que la música blues evolucionó a lo largo del siglo XX, sus características son dinámicas y dependen del tipo, fase o subgénero específico del blues que se considere.
Sin embargo, se pueden identificar varias características comunes. La guitarra y la voz son los instrumentos que se escuchan con más frecuencia en la música blues. Otros instrumentos que se escuchan comúnmente son el piano, la armónica, la batería y el bajo.
Al principio no sólo se improvisaron las letras del blues, sino también los instrumentos. Debido a la falta de accesibilidad y de dinero, los artistas de blues a menudo tenían que fabricar sus propios instrumentos.
Esto daría origen al arco diddley de una sola cuerda, que se tocaba con un cuello de botella; la tabla de percusión, que se tocaba rítmicamente con dedales; un instrumento de viento increíblemente básico (la jarra); Las cucharas; y el bajo de la tina.
Muchas de las características que se encuentran en el blues se pueden atribuir a la influencia de la música y la cultura africanas.
El uso de la improvisación, la síncopa (enfatizando ritmos fuera de ritmo), la participación social (música durante el trabajo o el juego), timbres únicos.
(que pueden ser ásperos, vibrantes y parecer menos “pulidos” que la música europea), llamadas y respuestas (una o más músicos tocan/cantan una frase musical y otro músico o grupo de músicos responde con una frase musical).
Y también notas azules (doblando/alterando expresivamente los tonos en intervalos no occidentales): todos estos son atributos que se remontan a África como influencia.
El Blues
¿De qué se trata la música blues?
Como hemos mencionado anteriormente el blues es un género y una forma, pero también es un sentimiento. Probablemente hayas escuchado la frase “Tengo tristeza” o “Me siento triste”.
Estar “triste” se refiere a sentirse triste, melancólico, oprimido, desconsolado, abatido, culpable, desesperado u otras emociones sombrías.
Aunque hay canciones de blues alegres y edificantes, la música blues se centra en las duras realidades de la vida. El amor también es un tema central: con frecuencia se canta sobre el amor y la pérdida, el maltrato y el romance que sale mal.
La presentación del tema es expresiva, honesta y directa. Dado que el blues expresa dolor, los intérpretes deben comprender y poder comunicar ese dolor.
El lenguaje utilizado en esa comunicación es simple y con los pies en la tierra. Las letras son accesibles y tienden a evitar adornos, complicaciones, descripciones pintorescas o escenarios grandiosos.
Cuando los artistas de blues comparten su “verdad”, tanto los artistas como el público sienten ese significado profundo.
No todos los artistas de blues han tenido una educación difícil, lucharon contra la pobreza, tuvieron que realizar trabajos agotadores o les rompieron el corazón de la forma que describen en su música.
Sin embargo, lo que los (buenos) músicos de blues son honestos y veraces es la sensación de tener blues.
La música blues genuina no se aprende, se siente. Historia del blues La música blues comenzó en el sur de los Estados Unidos a finales del siglo XIX, sobre todo a lo largo del delta del Mississippi.
Fue desarrollado por afroamericanos que mezclaron la música europea con la música africana. La combinación de esas culturas y subculturas creó lo que se convertiría en el blues.
Los primeros precursores que allanaron el camino para la música blues incluyen canciones de trabajo, gritos de campo, espirituales, baladas folclóricas y juglares.
El Blues
Música blues temprana (finales del siglo XIX – principios/mediados del XX)
Delta blues es un término para el blues temprano que se refiere a una ubicación geográfica específica, el delta del Mississippi.
Normalmente, el delta blues se interpretaba con una sola parte vocal y una guitarra (a veces el piano); A menudo, el músico actuaba solo cantando y tocando al mismo tiempo.
Se jugaba en entornos rurales e informales, como un porche o un bar, y no se distribuía ampliamente a través de los medios. Las letras se centraban en cosas que se veían en el país: campos, trenes, trabajo manual, etc.
De las relativamente pocas grabaciones que todavía existen de esa época, muchas fueron realizadas en el campo por investigadores como Alan Lomax en lugar de compañías discográficas comerciales.
Robert Johnson (1911-1938) es uno de los artistas estadounidenses más famosos de todos los tiempos.
Era un misterioso cantante y guitarrista de delta blues que supuestamente vendió su alma al diablo en una encrucijada para poder tocar mejor la guitarra.
Se sabe muy poco sobre Johnson, quien murió en 1938 a los 27 años, por lo que su música y su personalidad han desarrollado un misticismo legendario en el folklore estadounidense.
Es famoso por canciones como “Crossroads Blues” y “Love in Vain”, que serían versionadas por innumerables artistas y eventualmente venderían más de medio millón de copias de sus grabaciones completas a pesar de que murió en relativa oscuridad.
Johnson también previó la transición del blues del campo a la ciudad, como cantó en “Sweet Home Chicago”.
Durante la misma época, la música blues existía en el norte de Estados Unidos, aunque de manera diferente a como lo hacía en el sur. Los conjuntos se parecían a la instrumentación del jazz temprano, las ubicaciones estaban en ciudades y algunos artistas experimentaron éxito comercial.
La música blues del norte contenía características derivadas de la música africana, pero en general sonaba mucho más refinada y europea en comparación con el blues delta.
La canción de Mamie Smith (1891-1946), “Crazy Blues” (1920), ha sido acreditada como la “primera grabación importante de blues vocal”, vendiendo más de 75.000 copias sólo en Harlem en el transcurso de unas pocas semanas.
W.C. Handy (1873-1958) escribió música blues instrumental y fue el primero en publicar una canción de blues en 1912: “Memphis Blues”.
En 1914 publicaría “St. Louis Blues”, que se convirtió en una de las canciones de blues más conocidas de la primera era del blues. Mire a Handy interpretar esa canción en el programa de Ed Sullivan en 1949.
De estos primeros tipos de música blues, el delta blues sería el que tendría un impacto más duradero.
Música blues urbano (alrededor de 1940 – alrededor de 1960)
El primer gran desarrollo del blues se produjo a mediados del siglo XX. Blues urbano es el término utilizado para describir el blues de esa época, que fue el resultado de varios cambios.
En primer lugar, los negros abandonaron el sur de Estados Unidos en busca de nuevas oportunidades durante lo que se llamó la “Gran Migración”.
La designación “urbana” apunta a un cambio geográfico: la música blues pasó de las zonas rurales a las ciudades urbanas.
Al igual que “delta blues” se refiere a un lugar específico donde se produjo el blues temprano, el blues de Chicago es un término que se refiere a un importante centro del blues urbano: Chicago.
En segundo lugar, a mediados del siglo XX, la tecnología había cambiado el panorama musical. Los instrumentos eléctricos, la amplificación vocal, las técnicas de grabación mejoradas, los tocadiscos y la radio revolucionaron la forma en que la gente creaba y experimentaba toda la música, incluido el blues.
El blues urbano introdujo un nuevo tipo de conjunto de blues. Durante las actuaciones se veía frecuentemente piano, armónica y, sobre todo, batería y bajo, en lugar de una sola voz con la guitarra.
Las guitarras que se tocaban ahora eran eléctricas en lugar de acústicas. El blues urbano introdujo temas ligeramente diferentes (más temas urbanos), actuaciones menos informales (conciertos reales en lugar de “reuniones” casuales).
Un mayor número de grabaciones y de mejor calidad, y una mayor exposición a los artistas y la música del blues a través de varias formas de medios. . Esta era del blues sentaría las bases para la creación de otros géneros musicales como el rock, el funk, el soul y el R&B.
Siguiendo la evolución del blues, Muddy Waters (1913-1983) nació en Mississippi y se convirtió en un destacado músico de blues en Chicago.
Con su modesta forma de tocar la guitarra y su inolvidable voz, Waters fue una encarnación del blues urbano que inspiraría a muchos otros artistas.
Dos de sus canciones más populares son “Got My Mojo Workin'” (1957) y “Hoochie Coochie Man” (1954).
B.B. King (1925-2015), mencionado anteriormente, fue otro artista de blues que siguió la Gran Migración desde el sur al norte de Estados Unidos, donde sería considerado un guitarrista legendario debido a su forma única y conmovedora de tocar la guitarra solista.
Su canción, que lleva el título del nombre que le dio a sus guitarras, “Lucille” (1968) demuestra su increíble forma de tocar en solitario y cuenta la historia de cómo la guitarra “prácticamente le salvó la vida”.
Renacimiento del blues (década de 1960)
Durante aproximadamente medio siglo, la música blues permaneció exclusivamente dentro de la cultura negra estadounidense. Pero en la década de 1960, los negros en Estados Unidos habían dirigido su atención a otros géneros como el R&B y la música soul.
El blues ya no era el género más popular entre los estadounidenses negros. Sin embargo, a partir de la década de 1960, muchos músicos blancos en Estados Unidos y en el extranjero descubrieron el blues y comenzaron a tocarlo.
Aunque los negros todavía tocaban blues, su popularidad entre el público y los músicos blancos volvió a poner el género en primer plano, pero en un contexto cultural diferente, de ahí el resurgimiento del blues.
En la década de 1960, la música blues se hizo más rápida y fuerte, los lugares y el público se hicieron mucho más grandes y se extendió fuera de Estados Unidos a Europa.
La música rock se construyó directamente a partir de la música blues, y artistas como Elvis Presley y Chuck Berry se inspiraron directamente en la forma y el contenido del blues.
Eric Clapton hizo una versión de “Crossroads” de Robert Johnson en 1966 y luego lanzó un álbum con B.B. King en 2000.
Los Rolling Stones derivaron su nombre de una canción de Muddy Waters, también hicieron una versión de “Love in Vain” de Johnson en 1969 y trabajaron frecuentemente con el famoso bluesman Howlin’ Wolf.
Los Beatles, Led Zeppelin, los Allman Brothers, Jimi Hendrix, Janis Joplin y muchos de sus contemporáneos reconocieron y aprovecharon el poder del blues.
Innumerables músicos continuarían haciendo lo mismo con el paso del tiempo. Hay muchos, muchos, muchos ejemplos de cómo los músicos de la década de 1960 en adelante tomaron prestado, colaboraron, se inspiraron y aprendieron de la música blues.
¿Sigue existiendo la música blues?
Sí, la música blues sigue viva y coleando. Un término que se ha utilizado para describir la música blues reciente es americana.
Aunque este término puede usarse para identificar una versión contemporánea de cualquier música de raíz estadounidense (country, bluegrass, etc.), también se aplica al blues americano, destaca otra fase en la evolución de la música de raíces, incluido el blues.
Los dos artistas que aparecen en la foto de abajo son parte de la nueva generación de artistas de blues; Christone “Kingfish” Ingram y Gary Clark Jr.
Ambos artistas continúan las tradiciones musicales del pasado mientras las avanzan hacia el contexto actual. Si se escucha atentamente, es fácil notar la influencia del blues en la música de todo el mundo actual.