El sonido de Filadelfia
El sonido de Filadelfia. El sonido de Filadelfia en la década de 1970 fue el puente entre el soul de Memphis y la música disco internacional y entre el pop de Detroit y el Hi-NRG (alta energía).
La música de baile ultrarrápida popular principalmente en los clubes gay en la década de 1980). Philadelphia International Records, dirigido por afroamericanos, fue el sello vital de la época; su sonido era una mezcla oportuna de platillos de sombrero alto y conciencia social, de voces soul gruñidas y cuerdas arrolladoras.
Los padres fundadores fueron Kenny Gamble de Filadelfia y Leon Huff, nacido en Nueva Jersey, escritores y productores que se habían abierto camino a través de la decadente industria musical de Filadelfia en la década de 1960.
Fueron reforzados por la cantante convertida en escritora Linda Creed y el escritor y arreglista Thom Bell, quienes habían ayudado a crear el sonido de los Delfonics en el otro sello principal de la ciudad, Philly Groove.
Juntos crearon un nuevo tipo de soul pop, que puede parecer un cliché cuando se analiza, pero que fue inmensamente popular en la pista de baile.
Basada en los talentos rítmicos de los hombres de sesión de Sigma Studios, que tuvieron su propio éxito como MFSB, la música de Philadelphia International presentaba instrumentación inusual (trompas francesas, por ejemplo) y sensibilidades adultas transmitidas por vocalistas adultos.
“Me and Mrs. Jones” (1972), una historia de infidelidad implícita, lanzó al baladista de club nocturno Billy Paul. Después de casi 20 años en el negocio, Harold Melvin y los Bluenotes se convirtieron en estrellas, y el vocalista principal Teddy Pendergrass se convirtió en un símbolo sexual arquetípico de los años 70.
Los O’Jays, también veteranos con una trayectoria discográfica de 10 años a sus espaldas, alcanzaron el Top Ten con “Back Stabbers” (1972) y “Love Train” (1973), ambos comentarios sociales en una vena exitosamente ingenua.
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Donde Gamble y Huff lideraron, siguió la música disco: “Best Disco in Town” de la familia Ritchie (1976) se grabó en Sigma, al igual que “YMCA” de Village People (1978).
El último gran éxito de Filadelfia, el himno “Ain’t No Stoppin’ Us Now” (1979) de (Gene) McFadden y (John) Whitehead, llegó cuando la música dance atravesaba uno de sus cismas episódicos entre blancos y negros.
Un par de años más tarde, Daryl Hall y John Oates, los hijos blancos favoritos del soul de Filadelfia, injertaron sus voces tradicionales de ritmo y blues en los nuevos ritmos negros del hip-hop.
Música soul, término adoptado para describir la música popular afroamericana en los Estados Unidos a medida que evolucionó desde los años cincuenta hasta los sesenta y setenta.
Algunos ven el soul simplemente como un nuevo término para el ritmo y el blues. De hecho, una nueva generación de artistas reinterpretó profundamente los sonidos de los pioneros del ritmo y el blues de la década de 1950.
(Chuck Berry, Little Richard, Bo Diddley, Sam Cooke y Ray Charles), cuya música encontró popularidad entre los blancos y se transformó en lo que pasó a ser conocido como rock and roll.
Si el rock and roll, representado por intérpretes como Elvis Presley, puede verse como una lectura blanca del ritmo y el blues, el soul es un regreso a las raíces de la música afroamericana: el gospel y el blues.
El estilo está marcado por una intensa intensidad vocal, el uso de llamadas y respuestas arraigadas en la iglesia y un melisma extravagante. Si en la década de 1950 Ray Charles fue el primero en secularizar las canciones puramente gospel.
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Esa transformación alcanzó su pleno florecimiento en la obra de Aretha Franklin, la “Reina del Soul”, quien, después de seis años de notable trabajo en Columbia Records, inició su glorioso reinado.
En 1967 con sus primeros éxitos para Atlantic Records: “I Never Loved a Man (the Way I Love You)” y “Respect”. Sin embargo, antes de Franklin, la música soul había explotado en gran medida gracias al trabajo de artistas sureños como James Brown y sellos discográficos sureños como Stax/Volt.
El sonido Motown, que alcanzó su mayoría de edad en los años 60, también debe considerarse música soul. Además de sus artistas más ligeros y orientados al pop, como los Supremes.
El sello Motown produjo artistas con genuino valor gospel: los Contours (“Do You Love Me” [1962]), Marvin Gaye (“Can I Get a Witness” [1963]) y Stevie Wonder (“Uptight [Everything’s Alright]” [1966]).
Pero Motown presentó sus actos como limpios y aceptables, ya que buscaba venderlos a los adolescentes blancos. A medida que el movimiento por los derechos civiles cobró fuerza, los artistas afroamericanos se volvieron más conscientes políticamente.
Arraigada en la expresión personal, su música resuena con autoafirmación, culminando en “Say It Loud—I’m Black and I’m Proud (Part 1)” de Brown (1968).
En Memphis, Tennessee, Stax/Volt Records se construyó sobre una base inquebrantable de soul puro. Cantantes como Otis Redding, Sam y Dave e Isaac Hayes gritaron, gritaron, suplicaron, pisotearon y lloraron, recordando a los gritos de blues del sur profundo.
Jerry Wexler de Atlantic, que había participado en la fase más temprana de la música soul con sus producciones para Solomon Burke (“Just Out of Reach” [1961]), comenzó a grabar a Aretha Franklin y a Wilson Pickett, uno de los principales vocalistas del soul, en Fame Studios en Florence, Alabama.
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Donde los arreglos fueron en gran medida espontáneos y sorprendentemente escasos: fuertes líneas de trompeta apoyadas por una sección rítmica centrada en el funk hirviente.
Otros artistas y productores siguieron el ejemplo de Wexler. Etta James, con su entrega trascendental y su enfoque de no tomar prisioneros, viajó a Muscle Shoals, Alabama, para grabar “Tell Mama” (1967), uno de los himnos soul más perdurables de la década, escrito por el cantante y compositor Clarence Carter.
La súper suave “When a Man Loves a Woman” (1966) de Percy Sledge, grabada en la cercana Sheffield, se convirtió en la primera canción de soul sureño en alcanzar el número uno en las listas de éxitos.
El soul no se limitó al sur ni a Detroit, Michigan. Los Impressions de Curtis Mayfield, principales impulsores del soul de Chicago, agregaron su propio sentido de conciencia social al movimiento de la música soul, especialmente en “Keep On Pushing” (1964) y “People Get Ready” (1965).
A finales de la década, incluso Motown, el más conservador de los sellos de soul, había comenzado a publicar discos temáticos, especialmente con las dinámicas producciones de Norman Whitfield para Temptations (“Cloud Nine” [1968]) y Edwin Starr (“War” [ 1970]).
El soul también floreció en Nueva Orleans, Luisiana, en la obra ultrafunky del grupo The Meters de Art Neville. Atlantic Records produjo ardientes éxitos de soul en la ciudad de Nueva York, especialmente de Aretha Franklin y Donny Hathaway.
Wonder and the Jackson 5 crearon algunos de los grandes discos de soul de la época en Los Ángeles; y en Filadelfia, Kenny Gamble y Leon Huff prácticamente reinventaron el género con los O’Jays y Harold Melvin and the Blue Notes.
El soul se convirtió en una parte permanente de la gramática de la cultura popular estadounidense. Sus virtudes subyacentes (entrega emocional directa, orgullo étnico y respeto por sus propias fuentes artísticas) perduran como influencias dinámicas y dramáticas en músicos de todo el mundo.
En diversos grados, el poder y la personalidad de la forma fueron absorbidos por el disco, el funk y el hip-hop, estilos que deben su existencia al soul.
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