The Beatles y The Supremes. Con el lanzamiento del documental de seis horas de los Beatles, Get Back, los fanáticos de la música han estado reexaminando el trabajo, los logros y el impacto de los Fab Four.
Con razón: el grupo estableció absolutamente estándares sobre cómo podrían ser los logros y la excelencia en la música popular.
Pero, ¿qué pasaría si descubrieras que hubo otro grupo que logró doce sencillos No. 1, que sacaron a los Beatles del puesto No. 1 en el Billboard 100 no una sino tres veces; quien apareció en el programa de Ed Sullivan once veces durante las tres visitas de los originarios de Liverpool.
¿Quién lanzó 20 álbumes entre los años 1962 y 1970, y quién realizó giras y presentaciones mucho después de que los Beatles se retiraran de los conciertos en vivo en 1966?.
Ese grupo no era otro que The Supremes, el trío de Motown formado por Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard. Y, sin embargo, estas mujeres no han recibido ni la mitad de los elogios y el culto a los héroes que se atribuye a los Beatles.
The Beatles y The Supremes
Esto se debe a que la primacía de los Fab Four como ideal platónico de músicos serios dignos de estudio y consideración está profundamente arraigada e incuestionable
El grupo estadounidense de Motown, The Supremes, registró 12 éxitos número uno en Estados Unidos entre 1964 y 1969, incluidos cinco éxitos consecutivos sin precedentes en las listas.
En un contexto de ascenso meteórico de Motown Records y del movimiento estadounidense por los derechos civiles, The Supremes desempeñó un papel inspirador en el cambio de las percepciones raciales, influyendo en los artistas posteriores durante los años venideros.
En 1959, en la ciudad industrial norteña de Detroit, el empresario Berry Gordy creó un negocio musical que evolucionó hasta convertirse en Motown Records.
Conocida como la “Ciudad del Motor”, Detroit era una de las ciudades industriales más grandes del mundo y dominaba la producción de automóviles.
Gordy se inspiró en el proceso de la línea de montaje en la planta de automóviles Ford donde trabajaba, con el objetivo de crear una fábrica de éxitos (‘Hitsville USA’).
Donde “un niño de la calle podría entrar por una puerta desconocida y salir por otra grabando” y convirtiéndose en artista – estrella”. Las Supremes se convertirían en la encarnación de esta visión.
En las décadas de 1940 y 1950, Estados Unidos todavía estaba segregado racialmente y a la mayoría de los afroamericanos todavía no se les había concedido la libertad social que esperaban de la emancipación de la esclavitud en la década de 1860.
En las décadas de 1950 y 1960, el Movimiento por los Derechos Civiles se movilizó y el reverendo Martin Luther King Jr. saltó a la fama como líder del movimiento.
Anteriormente, Motown generalmente había evitado las pistas “temáticas”, pero a raíz de la Ley de Derechos Civiles de 1964 y la Ley de Derechos Electorales de 1965, la música popular contemporánea comenzó a reflejar los tiempos cambiantes.
‘Down to Earth’ (1966) de Stevie Wonder inició una tendencia de canciones con ‘mensajes’. ‘War’ de Edwin Starr y ‘What’s Going On?’ de Marvin Gaye Le siguió, junto con ‘Love Child’ de The Supremes, que se convirtió en el número uno en Estados Unidos en 1968.
El 4 de Abril de 1968, Martin Luther King fue asesinado a tiros en Memphis, un acto que provocó disturbios en ciudades de todo Estados Unidos.
La noche siguiente a su asesinato, The Supremes aparecieron en The Tonight Show de Johnny Carson, cantando ‘Somewhere’.
The Beatles y The Supremes
Diana Ross pronunció un panegírico a King y el compromiso de su vida con los derechos humanos.
El estilo fue una gran parte del éxito de The Supremes. Los artistas y el personal de Motown eran predominantemente negros, pero el “aspecto Motown” se diseñó deliberadamente sin ninguna inclinación particular hacia la raza o el color.
Al negarse a verse limitado por las barreras tradicionales pero aún incorporando las convenciones tradicionales del mundo del espectáculo en sus actos, Motown apeló a una audiencia joven compradora de discos dentro de un sistema que anteriormente había excluido a los afroamericanos.
The Supremes (Mary, Diana y Flo, y más tarde Cindy Birdsong, Jean Terrell, Lynda Lawrence, Scherrie Payne y Susaye Green) siempre iban bellamente vestidas y elegantes.
Gordy instituyó un programa especial de “Desarrollo Artístico” similar a las encantadoras escuelas de Hollywood de los años 30 y 40.
Maxine Powell dio lecciones sobre la forma adecuada de vestirse, comer, sentarse, caminar y cómo aparecer en televisión.
Para perfeccionar las habilidades de danza y actuación, el legendario coreógrafo y bailarin Cholly Atkins desarrolló las ingeniosas rutinas de baile que fueron el sello distintivo de las actuaciones de Motown, y el músico Maurice King se encargó de la música y el ritmo en el escenario.
A medida que The Supremes aparecía en más escenarios y pantallas de televisión, Gordy reclutó a destacados diseñadores de Hollywood como Bob Mackie y Michael Travis para crear trajes glamorosos y extravagantes dignos de superestrellas internacionales.
La gasa y el terciopelo fueron reemplazados por vestidos de noche ceñidos con lentejuelas para maximizar su impacto bajo una fuerte iluminación del estudio.
Sus pelucas características se complementaron con pestañas postizas, grandes aretes y un maquillaje espectacular.
¿ Ahora, que argumentos se tendría para no ponerlas al nivel de calidad musical, artistica que los Beatles?.
El primer argumento en contra de esta postura será, sin duda, que The Supremes no escribieron sus canciones ni tocaron ningún instrumento.
The Supremes se benefició de la misma máquina de crear éxitos que usaban todos los artistas de Motown: los compositores Holland-Dozier-Holland y la estelar banda house, The Funk Brothers.
También se beneficiaron enormemente de la visión creativa del fundador y director ejecutivo de Motown, Barry Gordy.
Pero toda esa habilidad y talento detrás de escena no habrían sido escuchados sin las voces de las tres mujeres que cantaron, actuaron e interpretaron las canciones.
Se podría intentar argumentar que Barry Gordy podría haber conseguido que cualquier otro miembro de la familia Motown cantara las canciones, excepto que en el momento en que The Supremes tuvo éxito fue cuando Holland-Dozier-Holland descubrió cómo escribir para la voz de Diana Ross.
The Beatles y The Supremes
Los Beatles no existieron en el vacío, aprendieron por sí mismos a escribir canciones escuchando e interpretando versiones de artistas estadounidenses de ritmo y blues.
Pero ellos también fueron guiados por profesionales experimentados que tenían las habilidades para conectarse con los talentos innatos de los Beatles.
Brian Epstein, el manager del grupo, y George Martin, el productor que les firmó el contrato discográfico y produjo sus álbumes, proporcionaron orientación y dirección igualmente decisivas e impactantes.
Epstein influyó en su imagen visual y presentación, y ofreció dirección que ayudó a la banda a evolucionar su actuación en vivo a un nivel más profesional.
Martin jugó un papel decisivo al guiar a la banda a través del poco acogedor y desconocido proceso del estudio de grabación y el conocimiento necesario para capturar con éxito su sonido en un disco, y siguió siendo un valioso aliado de por vida.
Ambos grupos tuvieron un éxito increíble desde el punto de vista comercial. Sus historiales en la importante lista Billboard Hot 100 Singles son un desfile de éxitos literal.
The Supremes alcanzaron la posición número uno no menos de doce veces en un período de cinco años, que incluyó cinco sencillos número uno seguidos en 1964 y 1965: “Where Did Our Love Go”, “Baby Love” y “Come”. Mira acerca de mí” en 1964, luego “¡Para! In The Name of Love” y “Back In My Arms Again” en 1965.
En comparación, los Beatles lograron 20 números 1, comenzando con “Why Please Me” en 1963.
Pero su actividad se impactó directamente entre sí: “Come See About Me” desbancó a “I Feel Fine” de los Beatles del puesto número uno, “¡Detente! In The Name of Love” reemplazó a “Eight Days A Week”, y en 1968, “Love Child” desbancó nada menos que a “Hey Jude”, que había permanecido en el primer puesto durante casi cinco meses.
Tanto The Beatles como The Supremes realizaron giras y presentaciones en vivo, y una vez que ambos grupos llegaron a las listas, tuvieron una demanda constante.
Las Supremes comenzaron en uno de los tipos de espectáculos de revistas itinerantes popularizados en la década de 1950, ‘Cavalcade Of Stars’ de Dick Clark, donde comenzaron desde abajo, sin siquiera aparecer en la marquesina.
Al final de la gira, fueron los cabezas de cartel debido al éxito de “Where Did Our Love Go”.
También realizaron giras con la propia operación de Berry Gordy, Motortown Revue, presentaron sus propios espectáculos como cabezas de cartel y, como parte de la estrategia de Gordy para llevar a The Supremes a la corriente principal, realizaron residencias en Las Vegas y Copacabana en la ciudad de Nueva York.
Los Beatles, por otro lado, siguieron lo que ahora es el camino tradicional del rock and roll de tocar como cabezas de cartel en teatros, estadios y, finalmente, estadios.
Terminaron retirándose de las presentaciones en vivo en 1966 porque la Beatlemanía las hacía peligrosas y artísticamente poco gratificantes.
Los peligros que la banda enfrentó mientras tocaba en vivo, desde gritos continuos que hacían imposible ser escuchado hasta peligros físicos reales por parte de fanáticos en aumento, están increíblemente bien documentados y obviamente son muy reales.
The Beatles y The Supremes
Pero escuchamos mucho menos sobre el peligro que enfrentaron artistas negros como The Supremes al recorrer el sur de Estados Unidos debido al racismo y la segregación, lo que hizo que actos simples como detenerse para ir al baño o encontrar un lugar para comer literalmente pusieran en peligro sus vidas.
En términos de influencia cultural, las historias de la primera aparición de los Beatles en Ed Sullivan, que hicieron que todos los jóvenes de Estados Unidos salieran corriendo a comprar una guitarra, ahora son canon.
El impacto que tuvieron en el arte, la cultura, la música y la sociedad de la década de 1960 es innegable; Se ha escrito, documentado y discutido en un millón de entrevistas con bandas de rock and roll desde ese momento en adelante.
Pero el efecto de The Supremes en la cultura popular es de alguna manera menos venerado a pesar de haber logrado impacto muy importante.
Fueron el primer acto de Motown que apareció en Ed Sullivan, lo que los llevó exactamente a los mismos hogares que veían a los Beatles.
Oprah Winfrey ha contado la historia de cómo se sintió al ver a The Supremes en el programa y cómo “todas las niñas negras de mi generación querían crecer y ser… Miss Ross”.
El estimado líder de derechos civiles, el reverendo Ralph Abernathy, le dijo a Diana: “Sigue siendo genial, cada vez que el hombre blanco te ve en la televisión o en un concierto y se hace fan, estás siendo de ayuda”.
Ampliar el canon tradicional de la música popular para incluir a artistas que siempre deberían haber sido considerados influyentes no devalúa los logros de los artistas que ya están allí.
Reconocer definiciones más amplias de influencia e importancia y reexaminar nuestros criterios de interpretación brinda a los oyentes y fanáticos de la música un nuevo punto de vista.
Que potencialmente mejora y enriquece su disfrute y comprensión, y también brinda inspiración para futuros músicos al brindarles una paleta más amplia para sacar de.
Los propios Beatles admiraban el Sonido Motown y el ritmo y blues estadounidense del que se inspiraron para crear algo exclusivamente suyo.
Probablemente serían los primeros en estar de acuerdo con una definición más amplia de influencia que incluyera a The Supremes.